“Live On Milk: Abortion, Picket for Choice” Brian Hawkeswood.

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In the quiet of reflection, I find myself questioning: why, in the mid-1980s, did I paint billboards? It is an interesting query, one that speaks not only to the specific visual interests of a young artist but to a broader exploration of culture, beauty, and the sometimes puzzling language of advertising. I remember the billboards clearly—those curious structures, imposing yet fleeting, scattered throughout the urban landscape and even more mysteriously, placed on rural land. They became a peculiar fixture, one that shifted in tone depending on their location, their purpose, and, perhaps most of all, the message they carried.

 “Live On Milk: Abortion, Picket for Choice” Brian Hawkeswood. Private Collection.

There was something undeniably compelling about these advertisements, particularly the images of young women. In an era when the industry had spared no expense in constructing massive freestanding billboards, these were seen not just by the hurried commuters or shoppers passing by, but often by anyone whose gaze fell upon them. And while I may not have fully understood it at the time, my attraction to these images stemmed from a duality: they were beautiful, yes, but they were also, in a sense, provocative. The young women captured in their frames, often posed in moments of exercise or in states of sensual allure, were often the most beautiful women I encountered in my day-to-day life.

It’s only now, as an older man with a broader lens on the world, that I can begin to perceive the deeper context of these images. The models, likely not Australians, were cast in such a way that one might conclude they had come from Europe—a suggestion that feels increasingly evident with the passage of time. Perhaps this is the echo of cultural inheritance, the whispers of a long-formed ideal of beauty that spoke to my own upbringing, rooted in the English stock that shaped my perceptions. It is not an explanation I could have given then, but it is one I find myself tracing in hindsight, now that I have spent years moving through different lands, different eyes, and different worlds.

In Abortion, Picket for Choice, this visual language of advertising and the allure of the human form find their most profound manifestation. The composition is simple yet deliberate: a freestanding billboard positioned on a railway overpass, some 4 meters high and 5 meters wide. The billboard is visible from a distance, a massive presence in the daily lives of drivers speeding past. The image it displays is arresting—a young woman, dressed in a striped leotard and red leggings, in a pose that suggests she is exercising, though the nature of her posture, one leg extended in a 90° angle, betrays the sensuality beneath the exercise.

It is the visual world I was drawn to—a world of deliberate tension between the mundane and the provocative, between the advertisement’s promise and the viewer’s gaze. The phrase “Live on Milk” sits starkly, unembellished, as though inviting the viewer to partake in this simple, almost naive proposition. Yet, the provocative nature of the image infuses it with a deeper ambiguity. Should the woman be naked, the pose would veer into pornography. And yet, here she is, dressed and presented as an icon of consumerism—a woman whose body is no longer merely a subject of art, but an object of commerce.

The graffiti scrawled across the poster—“Abortion, Picket for Choice”—introduces a political undertone that reframes the entire composition. At the time, the 1980s was a period of intense debates over reproductive rights, particularly in countries like the United States and Australia. The phrase, juxtaposed with the milk advertisement, suggests an underlying tension between bodily autonomy and the commodification of the female form. The picket for choice, a rallying cry for pro-choice activists, speaks to the broader cultural battles that were waged during this period—a reminder that the image of a woman, in whatever context, has always been deeply entwined with the politics of gender, rights, and freedom.

Perhaps this was what drew me to these billboards, this intricate dance between the personal and the political, the beautiful and the utilitarian. It is no coincidence that this painting, like many of the others from this period, speaks to the theme of visibility. The billboard itself, with its larger-than-life image, is a canvas of sorts, a space for projecting beauty, desire, and consumption onto the urban and rural landscape. And in turn, I, as the artist, take these images and render them into something more enduring, more reflective—transforming the ephemeral world of advertising into a moment of stillness and contemplation.

As I reflect now, I see how this work fits into a broader trajectory in my art, particularly in its relationship to movements like Pop Art, which emerged as a direct response to consumer culture. The billboard, in its larger-than-life presence, echoes the work of artists like Andy Warhol and Roy Lichtenstein, who elevated mass media, advertising, and celebrity culture to the realm of fine art. Just as Warhol turned Campbell’s soup cans and Marilyn Monroe’s image into iconic subjects of contemplation, so too did I find beauty and tension in the commercial billboard. It wasn’t just about the image on the surface; it was about the layers of meaning it carried—both as a commercial tool and as a cultural signifier.

In Luxor, Egypt, we discussed how ancient art often reflected the intersecting forces of religion, power, and identity. Here, in the 1980s, we see the same forces at play—beauty, identity, and the commodification of the human form—filtered through the lens of contemporary consumerism. The Abortion, Picket for Choice billboard, with its provocative pose, invites us into this complex world, where art, commerce, and politics collide. The influence of Pop Art looms large, reminding us that the world of advertising, much like the monuments of ancient Egypt, becomes a space for visual storytelling—an invitation to pause, reflect, and consider the forces that shape our perceptions of beauty, desire, and the power structures behind them.

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Abtreibung, Wahlrecht für Wahl – Brian Hawkeswood, Ende der 1980er Jahre

In der Stille der Reflexion frage ich mich: Warum malte ich in den mittleren 1980er Jahren Billboards? Es ist eine interessante Frage, die nicht nur auf die visuellen Interessen eines jungen Künstlers hinweist, sondern auch eine breitere Auseinandersetzung mit Kultur, Schönheit und der manchmal rätselhaften Sprache der Werbung eröffnet. Ich erinnere mich a die Billboards deutlich – diese kuriosen Strukturen, imposant, aber vergänglich, die sowohl in städtischen Landschaften als auch, noch geheimnisvoller, auf ländlichem Land aufgestellt waren. Sie wurden zu einem eigenartigen Bestandteil, dessen Tonalität je nach Standort, Zweck und, vielleicht am meisten, der Botschaft, die sie trugen, variierte.

Es war etwas Unbestreitbar Faszinierendes an diesen Werbeanzeigen, insbesondere a den Bildern junger Frauen. In einer Ära, in der die Industrie keine Kosten scheute, um riesige freistehende Billboards zu errichten, wurden diese nicht nur von den hastigen Pendlern oder Einkäufern gesehen, die vorbeigingen, sondern oft von jedem, dessen Blick auf sie fiel. Und obwohl ich es damals nicht vollständig verstand, war meine Anziehungskraft auf diese Bilder eine doppelte: Sie waren schön, ja, aber sie waren auch in gewisser Weise provokativ. Die jungen Frauen, die in ihren Rahmen eingefangen waren, posierten oft in Momenten der Bewegung oder in Zuständen sinnlicher Verführung – sie waren oft die schönsten Frauen, denen ich in meinem Alltag begegnete.

Es ist erst jetzt, als älterer Mann mit einem breiteren Blick auf die Welt, dass ich beginnen kann, den tieferen Kontext dieser Bilder zu erkennen. Die Models, wahrscheinlich keine Australierinnen, wurden auf eine Weise inszeniert, dass man zu dem Schluss kommen könnte, sie stammten aus Europa – ein Eindruck, der mit dem Verlauf der Zeit zunehmend spürbar wird. Vielleicht ist dies das Echo kulturellen Erbes, das Flüstern eines lange geprägten Schönheitsideals, das meine Wahrnehmungen beeinflusste. Es ist keine Erklärung, die ich damals hätte geben können, aber heute, da ich viele Jahre in verschiedenen Ländern, mit unterschiedlichen Augen und in verschiedenen Welten verbracht habe, erkenne ich diese Zusammenhänge.

In Abtreibung, Wahlrecht für Wahl findet diese visuelle Sprache der Werbung und die Verführung der menschlichen Form ihren tiefgründigsten Ausdruck. Die Komposition ist einfach, aber absichtlich: Ein freistehendes Billboard, das auf einem Eisenbahnüberführung aufgestellt ist, etwa 4 Meter hoch und 5 Meter breit. Das Billboard ist aus der Ferne sichtbar, eine massive Präsenz im Alltag der Fahrer, die vorbeirasen. Das Bild, das es zeigt, ist auffällig – eine junge Frau, gekleidet in einen gestreiften Leotard und rote Leggings, in einer Pose, die suggeriert, sie mache Sport, obwohl ihre Körperhaltung, das angehobene Bein in einem 90° Winkel, die sinnliche Unterströmung verrät.

Es ist die visuelle Welt, zu der ich hingezogen wurde – eine Welt der absichtlichen Spannung zwischen dem Banalen und dem Provokativen, zwischen dem Versprechen der Werbung und dem Blick des Betrachters. Der Satz „Live on Milk“ steht scharf und unprätentiös, fast so, als lade er den Betrachter ein, an diesem einfachen, fast naiven Vorschlag teilzunehmen. Doch die provokative Natur des Bildes verleiht ihm eine tiefere Mehrdeutigkeit. Wäre die Frau nackt, würde die Pose in Pornografie übergehen. Und doch ist sie hier, bekleidet, und wird als ein Symbol des Konsums präsentiert – eine Frau, deren Körper nicht mehr nur ein Kunstobjekt ist, sondern ein Objekt des Handels.

Das Graffiti, das auf das Poster geschmiert wurde – „Abtreibung, Wahlrecht für Wahl“ – führt eine politische Unterströmung ein, die die gesamte Komposition umdeutet. Zu dieser Zeit war die Mitte der 1980er Jahre eine Periode intensiver Debatten über reproduktive Rechte, insbesondere in Ländern wie den Vereinigten Staaten und Australien. Der Ausdruck, zusammen mit der Milchwerbung, deutet auf eine zugrunde liegende Spannung zwischen Körperautonomie und der Kommodifizierung der weiblichen Form hin. Das Wahlrecht für die Wahl, ein Schlachtruf für pro-choice Aktivisten, spricht zu den breiteren kulturellen Kämpfen, die in dieser Zeit ausgetragen wurden – eine Erinnerung daran, dass das Bild einer Frau, in welchem Kontext auch immer, immer eng mit der Politik von Geschlecht, Rechten und Freiheit verbunden war.

Vielleicht war es genau dies, was mich zu diesen Billboards zog, dieser komplexe Tanz zwischen dem Persönlichen und dem Politischen, dem Schönen und dem Zweckmäßigen. Es ist kein Zufall, dass dieses Gemälde, wie viele der anderen aus dieser Zeit, das Thema Sichtbarkeit anspricht. Das Billboard selbst, mit seinem überlebensgroßen Bild, ist gewissermaßen eine Leinwand, ein Raum, um Schönheit, Verlangen und Konsum auf die urbane und ländliche Landschaft zu projizieren. Und wiederum nehme ich als Künstler diese Bilder und verwandle sie in etwas Dauerhaftes, Reflektierendes – die vergängliche Welt der Werbung in einen Moment der Stille und Kontemplation verwandelnd.