The Vanishing Patron: Why Art No Longer Sells, and What We Must Do About It. "Tag der Kunst- 2025".
Der verschwundene Mäzen: Warum sich Kunst nicht mehr verkauft – und was wir dagegen tun müssen
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Author- Brian Hawkeswood.
It was a day of sunshine, of medieval lanes and flowered balconies, of slow footsteps and the unhurried gaze of the curious. Pirna’s Tag der Kunst, with all its charm and gentle civic pride, unfolded not unlike a scene from an earlier century—yet the underlying tension was unmistakably modern. As I stood by my paintings—works of depth, gesture, and form that had long since broken free of hobbyist impulse—I felt the sharp dissonance between what was on show and what, in truth, still mattered.
Artist - Brian Hawkeswood,
Visitors approached my work with reverence, some even with astonishment. They lingered longer. Many confessed that what they saw was “real art,” a phrase both flattering and revealing. It meant, I understood, that they sensed in my paintings something that transcended personal expression or Sunday leisure—something rigorous, studied, born of discipline and not mere release. But none of them bought anything.
https://artelbestudio.blogspot.com/2025/06/high-art-what-it-meant-and-still-means.html
And nor, from what I observed, did they buy the lesser works around them—pieces priced modestly at 80 or 150 euros, some technically naive, others charming in their earnest amateurism. The intention behind many stalls was clear: to sell. Yet sales were few, if any. There were smiles, encouragement, polite inquiries. But not much money changed hands.
This, I believe, is the problem we must now name aloud: in the modern age, true art has been abandoned by its traditional supporters, and pseudo-art is unfunded because—rightly—it cannot convince. We live in a cultural economy where the middle class is too squeezed to act as patrons, the upper class is too distracted or cynical to care, and the working class sees little reason to sacrifice necessities for something it neither understands nor trusts. Art, once sustained by princes, churches, or civic bodies, has no firm economic base today. The result? An army of hopefuls sets up stalls, hoping that passing trade will do what emperors once did: fund their art.
But trade does not fund art. It funds trinkets, tastes, the occasional post card and trends. What is sold easily is rarely great; what is great is rarely sold easily.
The Legacy of Lost Patrons
Throughout history, art thrived when it was nourished by institutions that valued it above the whims of the market. Florence’s Medicis, Augustus the Strong in Dresden, the Catholic Church in Rome, and, more recently, even corporations like Wismut in East Germany—these were patrons who commissioned, collected, and celebrated visual culture not for quick gain, but for legacy, symbolism, and a belief in the dignity of human expression.
Where are they now?
Wismut, the uranium mining enterprise of the GDR, commissioned artworks for cafeterias, housing blocks, schools, and company halls—not to turn profit, but to project pride and vision. Some of the works were naïve, yes, but many were ambitious, well-crafted, and gave artists stability, meaning, and visibility. What mining company does this today? What school board? What bank?
https://artelbestudio.blogspot.com/2025/07/buried-light-hidden-art-of-wismut-and.html
And where is the state in all this? In much of Europe, especially in Germany, money is lavished on grand institutions, biennales, and politically sanitized performance projects, but little finds its way into the lives of artists who paint, draw, or sculpt with real mastery. The model that survives is one of either bureaucratic favouritism or trendy abstraction—not of cultural stewardship.
The Failure of Art Education
Another layer of the crisis is more insidious and long-term: the failure of art education. Schools do not teach children to see. They do not train the hand to obey the eye. They do not reveal that drawing is not a “gift” but a craft; that painting is not therapy but discipline. Thus, artists are not formed—they emerge, often self-taught, sporadically skilled, and hopeful that passion alone will carry them.
https://artelbestudio.blogspot.com/2025/04/art-education-and-child.html
If our schools taught music the way they now teach art, we would have a generation of tone-deaf violinists. But we do not, because we value music’s grammar and train our musicians. Why not our painters?
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https://artelbestudio.blogspot.com/2025/04/creativity-and-misguided-knowledge.html
https://artelbestudio.blogspot.com/2025/04/why-bother-about-art-education-anyway.html
As long as this continues, the public will remain largely unable to distinguish between art and decoration, between talent and commitment. And so the loop continues: artists cannot sell; buyers do not trust; the good and the bad are hung together on crooked easels in market squares.
Toward a New Patronage
The solution, then, is not simply to lower prices or increase social media presence. It is systemic.
https://artelbestudio.blogspot.com/2025/04/who-paid-for-all-of-these-paintings.html
We must return to patronage—serious, institutional, targeted. Corporations, municipalities, banks, universities, and trade unions should be encouraged (or gently pressured) to support the visual arts not with token grants, but with real commissions, residencies, purchases, and public exhibitions. If a single mining company in the 1970s could support dozens of artists, why can’t a renewable energy firm in 2025?
Schools must reform. Art should be taught with rigour and depth. Drawing must return to its place as a foundational skill. Children must learn not only to express, but to see. Then, over time, we will form a new generation of true artists—those who do not only feel, but make. And the public, slowly, will learn to tell the difference.
Lastly, we must adjust our expectations. Not every work must be sold. Not every encounter with a viewer must end in profit. Sometimes, simply standing before a true painting—unmoved by price tags, unburdened by outcome—is already a radical act in a world that has commodified everything.
Let us be those radicals.
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Der verschwundene Mäzen: Warum sich Kunst nicht mehr verkauft – und was wir dagegen tun müssen
Es war ein Tag voller Sonnenschein, mittelalterlicher Gassen und blumengeschmückter Balkone, ein Tag langsamer Schritte und verweilender Blicke. Pirnas Tag der Kunst entfaltete sich mit all seinem Charme und jener stillen bürgerlichen Würde, die kleinen Städten in Europa manchmal noch eigen ist. Und doch lag unter dieser lieblichen Oberfläche eine Spannung, die zutiefst modern war. Als ich neben meinen Gemälden stand – Arbeiten von Tiefe, Geste und Form, die längst über das Stadium bloßer Selbsterfahrung hinausgewachsen waren –, spürte ich den scharfen Kontrast zwischen dem, was gezeigt wurde, und dem, was in Wahrheit zählte.
Die Besucher traten mit Ehrfurcht an meine Werke heran, manche sogar mit Erstaunen. Sie verweilten länger. Viele gestanden, dass sie hier „echte Kunst“ sähen – eine Formulierung, die ebenso schmeichelhaft wie entlarvend war. Sie bedeutete, dass sie in meinen Bildern etwas erkannten, das über persönliche Ausdrucksbedürfnisse oder Wochenend-Hobbys hinausging – etwas Durchgearbeitetes, Diszipliniertes, nicht bloß Ausgespucktes. Doch niemand kaufte etwas.
Und auch an den Nachbarständen, so viel ich beobachten konnte, wurde kaum verkauft – obwohl dort Arbeiten zu sehr niedrigen Preisen angeboten wurden: 80, 150 Euro. Technisch waren viele Werke schlicht, einige naiv, andere charmant in ihrer ehrlichen Laienhaftigkeit. Die Intention war klar: verkaufen. Doch Verkäufe blieben aus. Es gab Lächeln, Zuspruch, höfliche Fragen. Aber kaum ein Geldschein wechselte den Besitzer.
Dies, so glaube ich, ist das Problem, das wir heute offen benennen müssen: In der Moderne wurde die wahre Kunst von ihren traditionellen Trägern verlassen, und das, was sich als Kunst ausgibt, wird – zu Recht – nicht finanziert. Wir leben in einer kulturellen Ökonomie, in der das Bürgertum zu sehr unter Druck steht, um als Mäzen aufzutreten, die Oberschicht zu zerstreut oder zynisch ist, um sich zu kümmern, und die Arbeiterschicht kaum Grund sieht, ihr hart verdientes Geld für etwas auszugeben, das sie weder versteht noch wirklich schätzt. Kunst, einst getragen von Fürsten, Kirchen oder städtischen Körperschaften, hat heute keine stabile wirtschaftliche Basis mehr. Die Folge? Eine Armee von Hoffenden stellt Staffeleien auf, in der Hoffnung, dass der Vorbeiflanierende tun möge, was einst ein Kaiser tat: ihre Kunst finanzieren.
Doch der Markt finanziert keine Kunst. Er finanziert Mitbringsel, Moden und Dekor. Was sich leicht verkauft, ist selten groß; und was groß ist, verkauft sich selten leicht.
Das Erbe der verlorenen Mäzene
In allen Epochen gedieh Kunst dann, wenn sie durch Institutionen genährt wurde, die ihr einen Wert zusprachen, der über den schnellen Nutzen hinausging. Die Medici in Florenz, August der Starke in Dresden, die katholische Kirche in Rom – und in jüngerer Zeit sogar Betriebe wie die Wismut in der DDR – sie alle waren Mäzene, die Kunst beauftragten, sammelten und förderten, nicht wegen kurzfristiger Gewinne, sondern wegen ihres Glaubens an Kultur, Sinn und menschliche Ausdruckskraft.
Wo sind sie heute?
Die Wismut, ein Uranbergbauunternehmen der DDR, ließ Kunstwerke für Speisesäle, Schulen, Wohnhäuser und Verwaltungsgebäude anfertigen – nicht um Profit zu machen, sondern um Stolz und Zukunftsvision zu zeigen. Manche Werke waren naiv, ja, aber viele waren ambitioniert, handwerklich solide und gaben Künstlern Stabilität, Sinn und Sichtbarkeit. Welcher Bergbaubetrieb tut das heute? Welche Schule, welche Bank?
Und wo bleibt der Staat? Gerade in Deutschland wird viel Geld für große Institutionen, Biennalen und ideologisch korrekt aufbereitete Performanceprojekte ausgegeben – doch wenig davon kommt bei den Künstlern an, die malen, zeichnen oder plastisch arbeiten und dabei wahres Können zeigen. Das überlebende Fördermodell ist oft bürokratisch, modisch oder politisch konform – nicht kulturell umsichtig.
Das Versagen der Kunstbildung
Ein weiteres, tiefer liegendes Problem ist das vollständige Versagen der Kunstpädagogik. Kinder lernen in der Schule nicht mehr zu sehen. Sie lernen nicht, die Hand dem Auge zu unterstellen. Sie erfahren nicht, dass Zeichnen kein Talent, sondern ein Handwerk ist; dass Malerei keine Therapie, sondern Disziplin bedeutet. So werden keine Künstler mehr geformt – sie entstehen, autodidaktisch, zufällig, oft in der Hoffnung, dass Leidenschaft allein ausreicht.
Würde man Musik so unterrichten wie derzeit Kunst, hätten wir eine Generation von Geigenspielern ohne Gehör. Aber das tun wir nicht – weil wir Musik ernst nehmen. Warum nicht auch die Malerei?
Solange das so bleibt, wird das Publikum kaum lernen, zwischen Kunst und Dekoration zu unterscheiden, zwischen Begabung und Hingabe. Und so dreht sich das Rad weiter: Künstler verkaufen nicht, Käufer trauen sich nicht, Gutes und Beliebiges hängen nebeneinander an klapprigen Staffeleien.
Für eine neue Mäzenatenkultur
Die Lösung besteht also nicht einfach darin, Preise zu senken oder mehr auf Instagram zu posten. Sie ist strukturell.
Wir müssen zur Mäzenatenkultur zurückkehren – ernsthaft, institutionell, gezielt. Unternehmen, Gemeinden, Banken, Universitäten, Gewerkschaften – sie alle sollten dazu ermutigt (oder sanft gedrängt) werden, die bildende Kunst nicht nur durch symbolische Förderpreise, sondern durch echte Aufträge, Ankäufe, Stipendien und Ausstellungen zu unterstützen. Wenn ein einzelner DDR-Betrieb in den 1970er Jahren Dutzende Künstler beschäftigte – warum nicht ein Windkraftunternehmen im Jahr 2025?
Auch die Schulen müssen sich wandeln. Kunst muss mit Tiefe und Strenge unterrichtet werden. Zeichnen muss wieder Grundlage werden. Kinder müssen lernen, nicht nur zu fühlen, sondern zu sehen. Dann – und nur dann – wird eine neue Generation von wahren Künstlern heranwachsen: nicht jene, die sich bloß ausdrücken, sondern jene, die wirklich gestalten. Und das Publikum wird – langsam, aber sicher – lernen, den Unterschied zu erkennen.
Zuletzt müssen wir auch unsere eigenen Erwartungen anpassen. Nicht jedes Werk muss verkauft werden. Nicht jede Begegnung mit einem Betrachter muss in Profit münden. Manchmal genügt es schon, einfach vor einem echten Kunstwerk zu stehen – ohne Preisschild im Kopf, ohne kommerzielle Absicht. In einer Welt, die alles vermarktet, ist das bereits ein radikaler Akt.
Seien wir diese Radikalen.
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