What Is High Art? A Russian Visitor, a Glimpse, and a Question

 

Author - Brian Hawkeswood.

What Is High Art? A Russian Visitor, a Glimpse, and a Question.                                   Nach unten scrollen für die deutsche Übersetzung.

A Russian lady walked into my gallery yesterday. We exchanged a few words—those customary, hovering preliminaries between silence and conversation—and then she stood for some time in front of a particular work. She looked, really looked, then turned to me and said with gentle certainty: “This is High Art.”

I hadn’t heard that phrase in decades. Not since the 1980s, when I was young and that term still lingered on the lips of teachers, critics, and perhaps a few ambitious students before it vanished into the fog of irony and postmodern doubt. The art world moved on—or so it seemed. High Art became suspect, or even laughable. Too hierarchical. Too earnest. Too bound up in dusty museums and old European illusions.

And yet, here it was again—spoken with conviction, unselfconsciously, by someone who had clearly lived in another cultural current.

Coming from a Russian visitor, this phrase carried a resonance I could not ignore. Russia, after all, never wholly abandoned the belief in art’s nobility. Despite—or perhaps because of—its history of upheaval, suppression, and state control, Russian culture has retained a reverence for artistic seriousness. In that tradition, art is not a game or a product, but a vital force: moral, emotional, even spiritual. To call something High Art is to recognize it as part of a lineage—something that aspires to beauty, depth, and truth.

Author- Justin Evermore.

And perhaps that’s what she saw in Brian Hawkeswood’s Hurghada 636.

A Portrait in Conflict:  Hurghada 636

The painting in question does not announce itself with grandeur. It is, at first glance, a meticulous rendering of a city street scene: a large, sun-washed advertisement on the side of a building in Hurghada, Egypt. At its center is a stunning, life-sized (or rather, larger-than-life) portrait of a beautiful Caucasian woman—cropped in the classical “bust” format, like a Roman statue or a Renaissance Madonna. Her long hair falls over one shoulder like a veil. One hand holds her sunglasses lightly, as though she has just removed them to see you more clearly.

But something is off. There’s no brand, no product clearly advertised. A phone number dangles at the bottom, but beyond that, this isn’t really an ad at all—it’s a portrait masquerading as one. Or perhaps it’s the other way around: a commercial image elevated, frozen, immortalized in paint. In either case, the woman’s gaze pierces the street below with uncanny force. She is passive, yet commanding. Illusory, yet fully present.

In the Islamic context in which this image exists, her presence takes on further complexity. Egypt, like many parts of the Muslim world, navigates an uneasy relationship between modern commercial aesthetics and traditional values. Islam encourages modesty and warns against fitna—the kind of social disturbance that comes from unchecked desire. The hyper-visible beauty of this woman, her stylization, her inexplicable presence, runs against that grain. She is not just a model; she is a provocation, whether intended or not.

And so the painting opens up: not just as an exercise in technique, but as a site of conflict—between cultures, between values, between permanence and decay, between the real and the artificial.

Why This Is High Art

What makes Hurghada 636 High Art, in the true sense—not just in flattery, but in the deepest historical and aesthetic meaning—is that it does more than record. It reflects. It critiques without moralizing. It transforms a transient moment into something worthy of meditation. It draws from multiple traditions—classical portraiture, contemporary realism, and Islamic cultural discourse—without collapsing into pastiche.

Hawkeswood’s square composition lends it formal balance; the tension between the still, idealized woman and the bustling street around her adds narrative energy. Most importantly, it holds a mirror up to the viewer—not with cynicism, but with gravity. We are asked to consider: Who is this woman? What is beauty doing here, so publicly, so vulnerably? What does it mean to look?

In a world of images, this is a painting about image. In a world of endless advertising, it is a meditation on what it means to be seen, and what it means to disappear.

The Return of a Term

So when the Russian visitor said, “This is High Art,” I believe she saw what many others might miss. She did not mean it was merely well-made or visually pleasing. She meant it belonged to that rare, vanishing category of works that take their place in the long, serious conversation of art with the world.

She may have recognized, perhaps instinctively, that this painting was not trying to flatter the viewer or follow a trend. It was trying to say something—about beauty, culture, gender, and the illusion of permanence. It was not surface; it was depth.

And perhaps that’s why the phrase struck me so deeply, why it has stayed with me ever since: it reminded me that despite all our cleverness, our curatorial detachment, our weariness with grand claims, we still need art that aims high. That is not ashamed to be sincere. That does not apologize for its beauty or its complexity.

Art that is not merely “contemporary,” but enduring.

Yes. High Art.

Was ist Hochkunst? Eine russische Besucherin, ein Augenblick – und eine Frage

Gestern betrat eine russische Dame meine Galerie. Wir wechselten ein paar Worte – jene schwebenden, vorsichtigen Andeutungen, die zwischen Schweigen und Gespräch liegen – und dann stand sie eine ganze Weile vor einem bestimmten Werk. Sie sah – wirklich sah – und drehte sich schließlich zu mir um, mit leiser, fester Überzeugung: „Das ist Hochkunst.“

Ich hatte diesen Ausdruck seit Jahrzehnten nicht mehr gehört. Nicht seit den 1980er-Jahren, als ich noch jung war und der Begriff gelegentlich von Lehrern, Kritikern oder vielleicht einigen ehrgeizigen Studenten verwendet wurde, bevor er in den Nebel des postmodernen Zweifels verschwand. Die Kunstwelt bewegte sich weiter – oder so schien es. Hochkunst wurde suspekt, ja beinahe lächerlich. Zu hierarchisch. Zu ernst. Zu sehr mit staubigen Museen und alten europäischen Illusionen verbunden.

Und doch tauchte sie wieder auf – ausgesprochen mit Überzeugung, ganz unbefangen, von jemandem, der offensichtlich aus einer anderen kulturellen Strömung kam.

Gerade aus russischer Perspektive hatte diese Bemerkung ein besonderes Gewicht. Denn Russland hat den Glauben an die Erhabenheit der Kunst nie ganz aufgegeben. Trotz – oder gerade wegen – einer Geschichte von Umbrüchen, Zensur und staatlicher Kontrolle bewahrte die russische Kultur eine tiefe Ehrfurcht vor der künstlerischen Ernsthaftigkeit. Dort ist Kunst kein Spiel und keine Ware, sondern eine vitale Kraft: moralisch, emotional, ja spirituell. Wenn jemand etwas als Hochkunst bezeichnet, erkennt er darin mehr als bloßes Können – er erkennt Tiefe, Schönheit und Wahrheit.

Und vielleicht war es genau das, was sie in Brian Hawkeswoods Hurghada 636 sah.

Ein Porträt im Widerstreit: 

Hurghada 636

Das betreffende Gemälde drängt sich nicht auf. Es ist auf den ersten Blick eine präzise, fast fotografisch wirkende Darstellung einer Straßenszene in Hurghada, Ägypten. Im Mittelpunkt: eine riesige, sonnenbeschienene Werbefläche an einer Hauswand, auf der eine wunderschöne kaukasische Frau zu sehen ist – im klassischen Büstenformat, wie eine römische Statue oder eine Renaissance-Madonna. Ihr Haar fällt wie ein Schleier über eine Schulter. In der Hand hält sie ihre Sonnenbrille, als habe sie sie gerade abgenommen, um dich besser sehen zu können.

Doch etwas stimmt nicht. Es gibt keinen Markennamen, kein Produkt ist klar beworben. Am unteren Rand steht lediglich eine Telefonnummer. Ohne sie wäre das Bild keine Werbung mehr – sondern einfach ein kunstvoll komponiertes Porträt. Oder umgekehrt: ein Werbebild, das durch die malerische Umsetzung in ein Kunstwerk verwandelt wurde. So oder so: Der Blick dieser Frau durchdringt die Straße mit bemerkenswerter Kraft. Sie ist passiv und dennoch beherrschend. Illusorisch und dennoch ganz gegenwärtig.

Gerade im islamischen Kontext gewinnt dieses Bild zusätzliche Tiefe. In Ägypten – wie in vielen Teilen der muslimischen Welt – bewegt man sich in einem Spannungsfeld zwischen modernen Werbeästhetiken und traditionellen Werten. Der Islam betont Bescheidenheit und warnt vor fitna – jener Art von gesellschaftlicher Unruhe, die aus unkontrollierter Begierde entsteht. Die hyper-sichtbare Schönheit dieser Frau, ihre Stilisierung, ihre ungeklärte Funktion – all das steht im Widerspruch zu diesen Prinzipien. Sie ist nicht einfach ein Model. Sie ist eine Provokation, ob beabsichtigt oder nicht.

So öffnet sich das Bild: nicht nur als handwerkliche Leistung, sondern als Ort des Konflikts – zwischen Kulturen, zwischen Werten, zwischen Dauer und Vergänglichkeit, zwischen Realität und Schein.

Warum dies Hochkunst ist

Was Hurghada 636 zur Hochkunst macht – im wahren, nicht bloß schmeichelhaften Sinne –, ist seine Fähigkeit zur Verwandlung. Es dokumentiert nicht einfach. Es reflektiert. Es kritisiert, ohne zu moralisieren. Es verwandelt einen flüchtigen Augenblick in etwas Dauerhaftes, in ein Objekt der Kontemplation. Es schöpft aus mehreren Traditionen – klassisches Porträt, zeitgenössischer Hyperrealismus, islamisch-kulturelle Diskurse – und bewahrt dabei seine eigene Integrität.

Hawkeswoods quadratisches Format verleiht dem Werk eine formale Balance; der Kontrast zwischen der idealisierten Frau und der geschäftigen Straße schafft Spannung. Und vor allem: Das Bild stellt dem Betrachter eine Frage – nicht mit Zynismus, sondern mit Ernsthaftigkeit. Wer ist diese Frau? Was bedeutet Schönheit in diesem Kontext? Was bedeutet es, zu sehen – oder gesehen zu werden?

In einer Welt voller Bilder ist dies ein Bild über Bilder. In einer Welt voller Werbung ist es eine Meditation über Sichtbarkeit, Vergänglichkeit und Bedeutung.

Die Rückkehr eines Begriffs

Als die russische Besucherin sagte: „Das ist Hochkunst,“ sah sie, was viele vielleicht übersehen. Sie meinte nicht, dass das Werk bloß „gut gemacht“ oder „ansprechend“ sei. Sie meinte, es gehöre zu jener raren, beinahe verschwindenden Kategorie von Kunst, die in das große, ernste Gespräch zwischen Kunst und Welt eintritt.

Vielleicht erkannte sie – instinktiv – dass dieses Werk nicht gefallen, nicht mit Moden flirten wollte. Es wollte etwas sagen – über Schönheit, Kultur, Geschlecht und die Illusion von Dauer. Es war nicht Oberfläche, sondern Tiefe.

Und vielleicht berührte mich ihre Bemerkung deshalb so sehr. Sie erinnerte mich daran, dass wir trotz all unserer Ironie, unserer Kuratorenklugheit und unserer Müdigkeit gegenüber großen Begriffen immer noch Kunst brauchen, die etwas wagt. Die sich nach oben richtet. Die sich nicht für ihre Schönheit entschuldigt, und nicht für ihren Ernst.

Kunst, die nicht bloß zeitgenössisch, sondern zeitlos ist.

Ja. Hochkunst.

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