Author - Brian Hawkeswood. Nach unten scrollen für die deutsche Übersetzung
The European Enlightenment, spanning roughly from the late 17th to the end of the 18th century, was an intellectual revolution that sought to apply reason, empirical observation, and humanistic principles to every realm of knowledge and human life. It transformed politics, science, philosophy, education, and the arts. At its core was a profound belief in progress, rationality, and the dignity of the individual.
Jacques-Louis David The Oath of the Horatii (1784)
While Enlightenment philosophers like Voltaire, Rousseau, Kant, and Locke reshaped the intellectual landscape, painting—though less often the focus of historical accounts—mirrored and even advanced many of these ideals. The visual arts of the Enlightenment are essential to understanding how these new ideas were interpreted, disseminated, and visually embodied.
The Enlightenment Spirit in Painting
Painting during the Enlightenment reflected a move away from the ornate exuberance and theatricality of the Baroque and Rococo styles, toward clarity, simplicity, and moral seriousness. This shift found expression in Neoclassicism, a style inspired by the art and philosophy of ancient Greece and Rome, which were seen as civilizations embodying rational harmony and civic virtue.
Artists such as Jacques-Louis David in France, Anton Raphael Mengs in Germany, and Joseph Wright of Derby in England produced works that consciously aligned themselves with Enlightenment principles. These paintings did not merely decorate; they instructed, moralized, and provoked reflection.
Jacques-Louis David: The Painter of Reason and Virtue
Arguably the most iconic painter of the Enlightenment was Jacques-Louis David (1748–1825). His painting The Oath of the Horatii (1784) is a quintessential example of Neoclassical art as a vehicle for Enlightenment values. It depicts three Roman brothers pledging loyalty to their father and city over personal interests—an ideal of civic duty and self-sacrifice that resonated with Enlightenment critiques of aristocratic privilege and decadence.
David’s Death of Socrates (1787) is another exemplar, portraying the ancient philosopher calmly drinking hemlock, surrounded by despairing disciples. The painting glorifies rational courage, moral principle, and the philosophical life—virtues central to Enlightenment thought. Socrates, a martyr for reason and integrity, becomes an archetype of the enlightened individual.
The Scientific Enlightenment and the Sublime Machine
In Britain, where the Enlightenment took a more empirical and scientific tone, painters such as Joseph Wright of Derby captured the drama of human discovery. His An Experiment on a Bird in the Air Pump (1768) portrays a family gathered around a scientific demonstration involving vacuum pressure. The scene is lit with theatrical chiaroscuro, but unlike Baroque drama, its focus is not religious ecstasy but scientific curiosity. The emotional complexity—the children’s fear, the scientist’s calm, the others’ intrigue—emphasizes the cultural shift toward reason as a moral and emotional force.
Such paintings reflect the democratization of knowledge and the Enlightenment belief that science, like art, should be open to public engagement. The natural world was no longer simply a divine creation; it was a system to be studied, understood, and harnessed.
Portraiture and the Enlightened Self
Another genre that flourished during this period was portraiture, now infused with Enlightenment ideas of individuality, intellect, and merit. The Swiss-German painter Anton Graff (1736–1813) was notable for portraying thinkers, poets, and statesmen in a manner that emphasized psychological depth and dignity.
His portrait of Friedrich Schiller (1786) captures the young dramatist with a gaze of introspective idealism—an image not of nobility by birth, but of greatness by intellect and character. This kind of portrait helped redefine heroism and social worth in secular, meritocratic terms.
Portraits of women, too, began to subtly reflect the changing discourse around education and reason. Elisabeth Vigée Le Brun’s portraits of Madame de Staël, an intellectual and salonnière, underscore her status not as a mere beauty but as a public thinker—part of a new visibility for women in the republic of letters.
The Enlightenment and the Crisis of Style
Yet the Enlightenment was not without tension. Some artists questioned whether rationalism alone could account for the complexity of human feeling. This tension eventually gave rise to Romanticism, a movement that reacted against the perceived coldness of Enlightenment reason. Even within Enlightenment art, one can sense the emerging undercurrent of emotional depth and sublime awe.
Indeed, Goya, often viewed as a transitional figure, began with Enlightenment ideals but came to expose their limitations. His early works, such as the Caprichos (1799), satirize ignorance and superstition in line with Enlightenment critique. But his later paintings reflect horror, irrationality, and madness—perhaps foreseeing the bloody excesses of revolutionary reason turned dogmatic.
Die europäische Aufklärung und die Welt der Malerei
Die europäische Aufklärung, etwa von Ende des 17. bis zum späten 18. Jahrhundert, war eine geistige Umwälzung, die den Versuch unternahm, Vernunft, Beobachtung und humanistische Prinzipien auf alle Bereiche des Lebens anzuwenden. Sie veränderte Politik, Wissenschaft, Philosophie, Bildung – und auch die Kunst. Im Zentrum stand der Glaube an Fortschritt, Rationalität und die Würde des Individuums.
Während Philosophen wie Voltaire, Rousseau, Kant und Locke das Denken prägten, spiegelte auch die Malerei diese Ideen wider – sie veranschaulichte sie, verbreitete sie, und gab ihnen ein Bild. Die Malerei der Aufklärung ist ein zentrales Zeugnis dieser Epoche.
Der Geist der Aufklärung in der Malerei
Die Kunst der Aufklärung wandte sich zunehmend vom überladenen Barock und vom verspielten Rokoko ab und strebte nach Klarheit, Einfachheit und moralischem Ernst. Diese Entwicklung fand Ausdruck im Neoklassizismus, einer Stilrichtung, die sich an der Antike orientierte und deren Ideale von Ordnung, Tugend und Vernunft aufgriff.
Künstler wie Jacques-Louis David in Frankreich, Anton Raphael Mengs in Deutschland und Joseph Wright of Derby in England verbanden ihre Werke bewusst mit aufklärerischen Idealen. Ihre Bilder sollten nicht nur erfreuen, sondern belehren, moralisch erziehen und zum Nachdenken anregen.
Jacques-Louis David: Maler der Vernunft und Tugend
Der bedeutendste Maler der Aufklärung war Jacques-Louis David (1748–1825). Sein Gemälde Der Schwur der Horatier (1784) zeigt drei römische Brüder, die ihrem Vater Treue und Opferbereitschaft geloben – eine bildgewordene Parabel auf Bürgertugend und staatsbürgerliche Pflicht, ganz im Sinne aufklärerischer Kritik am dekadenten Adel.
In Der Tod des Sokrates (1787) verherrlicht David den Philosophen, der für seine Überzeugungen in den Tod geht. Die ruhige Würde des Sokrates steht für das Ideal des vernünftigen, moralischen Menschen – ein zentrales Ideal der Aufklärung.
Wissenschaft und das erleuchtete Staunen
In England, wo der empirische Zugang zur Aufklärung dominierte, malte Joseph Wright of Derby Szenen wissenschaftlicher Experimente. In Ein Experiment mit einer Luftpumpe (1768) beobachtet eine Gruppe Menschen gebannt ein physikalisches Experiment. Das Licht fällt dramatisch, doch hier geht es nicht um göttliche Offenbarung, sondern um menschliche Erkenntnis.
Dieses Bild zeigt, wie die Aufklärung Wissenschaft als eine öffentliche, emotionale und moralische Kraft begriff. Erkenntnis wurde zum Gemeingut – und auch zur Kunst.
Das Porträt und das aufgeklärte Selbst
Ein weiteres wichtiges Genre war das Porträt, das nun zunehmend die Persönlichkeit, Intelligenz und Würde des Einzelnen hervorhob. Der deutsch-schweizerische Maler Anton Graff (1736–1813) etwa malte bedeutende Denker seiner Zeit mit psychologischer Tiefe und Ernsthaftigkeit.
Sein Porträt Friedrich Schillers (1786) zeigt keinen Aristokraten, sondern einen geistigen Helden, dessen Bedeutung aus Bildung und Charakter erwächst. Auch das Frauenbild veränderte sich. Elisabeth Vigée Le Bruns Porträts von Madame de Staël oder Madame Roland präsentieren Frauen als Intellektuelle, nicht nur als Objekte männlicher Bewunderung.
Krise der Vernunft und Vorahnung der Romantik
Doch die Aufklärung trug auch ihre Gegensätze in sich. Nicht alle Künstler glaubten, dass die Vernunft alle menschlichen Fragen beantworten könne. Daraus entwickelte sich die Romantik, die Gefühl, Natur und das Irrationale betonte. Bereits in den späten Werken von Goya zeigt sich diese Wende. Seine Caprichos (1799) spotten noch über Aberglauben – doch seine späteren Bilder offenbaren Abgründe von Gewalt, Wahnsinn und Verzweiflung.
Goya mahnt: Auch die Vernunft kann in Fanatismus umschlagen.
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